さまざまなタイプの芸術の表現手段。 MHCに関するプレゼンテーション「芸術の合成と感情的影響の強化。異なる芸術の感情的表現力の構成と手段」

芸術の統合と感情的な影響の増加。 感情的な構成と手段 さまざまな芸術の表現力。

「芸術の統合」の概念は、質的に新しい芸術的現象の創造を意味し、その構成要素の単純な合計に還元することはできません。彼らのイデオロギー的、哲学的、比fig的、構成的統一、空間と時間の芸術的組織への共通の参加、スケール、プロポーション、およびリズムの調整は、知覚を強化し、多様性、芸術的アイデアの開発における多様性を伝え、人に多面的な感情的な影響を与えることができる芸術の質を生み出します。

芸術の歴史において、さまざまな形式の合成が知られています。建築と記念碑的な芸術は、常に統一、建築と芸術の統合に引き寄せられています。絵画と彫刻は、仕事そのものを果たし、建築イメージを拡大して解釈します。装飾的なアート、およびイーゼルの芸術作品（絵画、彫像など）は、通常、この空間-プラスチック合成に関与しています。合成に関与する芸術間の関係は異なる場合があります。 1つの種が完全に支配し、他の種を征服することができます（たとえば、古代エジプトの建築、彫刻や絵画の征服など）。通常、芸術の1つに固有の品質は、普遍的な意義も獲得できます（たとえば、古典主義の造形芸術の「建築」、古代ギリシャの芸術の「可塑性」、バロック芸術の「絵画性」など）。別として歴史的時代芸術家の具体的な意図に従って、芸術の形態は密接に相互接続され（ゴシックとバロックの建築と彫刻）、相互に調和して（ルネサンスで）、対照的なコントラスト（20世紀の建物）であることができます。

原始的な共同体システムの時代では、統合主義は特徴的です。つまり、芸術形態の最初の未分化は、人間と彼の儀式の活動に直接織り込まれています。芸術がその特異性と独創性を明らかにして区別し始めると、反対の欲求が生じます-それらを合成すること。寺院の儀式、建築の要素を従属させ、罰金と装飾的で適用された芸術、言語的創造性、音楽、および儀式行為は、古代東洋の文化から始まる芸術の統合の組織化の始まりとして機能します。古代ギリシャの文化は、圧倒的な「超人的な」エジプトの建造物、建築の細部（蓮の花やパピルスの束の形をした柱）の絵画的象徴性と、建築と彫刻（価値が等しい）の調和のとれた組み合わせを対比させ、人間の原則を高めました。中世の寺院では、内部空間は建築のプロポーションとリズムの感情的な表現力、彫刻や絵画の作品の精神性（モザイク、壁画、ステンドグラスの窓など）で飽和しており、建築と密接に関連しています。芸術的に組織された空間の感情的な影響は、典礼詩と音楽によって補完されます。

後期ゴシック、特にルネサンスの文化では、芸術の世俗的な原則の強化と芸術的創造の個性化の増加により、中世の芸術の統合の「公的な」普遍性が崩壊します。各芸術の独立した役割の実現に基づいて、新しい形式の合成が出現しています。ルネサンスの偉大な巨匠（ブルネレスキ、ブラマンテ、ラファエル、ミケランジェロなど）の作品では、芸術を全体的で調和のとれたアンサンブルに組み合わせる一般原則が特に完全に開発されました。この時代の絵画では、幻想的な空間を作り、彫刻で、有機的に建築リズムに組み込まれ、実際の内容と比較的独立した存在を失わないグラフィック形式は、作品の記念碑的で装飾的な目的に関連する特定の特徴を獲得します。バロック時代個々の種芸術は荘厳でダイナミックな記念碑的で装飾的な統一を形成します。インテリアでは、建築はマルチカラーの彫刻、スタッコ成形、記念碑的な絵画と融合します。 XVI-XVIII世紀の芸術の統合。それは教会の儀式だけでなく、世俗的な生活の形態（勝利、宮廷と都市の祭典、公演など）とも関連しています。ロココと古典主義の芸術では、社会生活の一定の基準と時代の美的理想を満たす生活環境の創造は、芸術の統合の重要な目標になります。

ブルジョア社会の条件の下で、意識の個人化の増加、日常生活の美観の喪失、普遍的に重要な社会的原則と規範の崩壊によって引き起こされる、主に建築的および芸術的統合の多くの形態の芸術の統合が破壊されます。同時に、進歩的な社会運動は、人間の調和のとれた発展のための前提条件を作成するために、芸術の始まりを生き返らせたいという欲求に関連した芸術の新しい形の合成の探求をも呼び起こしました。 I.V.ゲーテ、F。シラー、および初期のロマン主義者（ロマン主義を参照）によって提唱された、一体的で調和のとれた人を形成するタスクは、19世紀のロマン主義の芸術理論に反映されました。ブルジョア的実践主義と精神性の欠如に反対する、いわゆる美のオアシスを作り出す問題に。合成「公会議」芸術の助けを借りた社会の精神的な再生のロマンチックなユートピアは、後に象徴主義者によって開発されました（象徴主義を参照）。 XIXおよびXX世紀の変わり目のアールヌーボースタイル。芸術の総合を復活させようとしました。合成文化のアイデアを発展させるために、合理主義と構成主義の代表であるW.モリス、H。ファンデヴェルデ（そしてドイツのバウハウス協会の最初のもの）は、生命プロセスに積極的に影響を与える全体的な芸術的環境を創造しようとしました。同時に、芸術の比fig的および認知的機能はしばしば否定され、芸術は「生命の構築」の主な要因と考えられた（ソビエトロシアのいわゆる生産芸術の支持者であり、芸術文化研究所と芸術の左翼協会のアイデアを開発した）。 20世紀の芸術統合分野における重要な作品は、進歩的な社会運動と革命運動（メキシコの芸術家D.リベラ、D。シケイロス、H.K。オロスコなどの作品）によって生み出され、公共の建物、記念碑の作成に関連付けられています（メモリアルを参照）建設）、展示複合施設、お祭り、国の行列、お祭りなどのデザイン

世界芸術の歴史には、芸術の合成には主に3つの形式があります。

造形芸術の統合：それは建築構造（彫刻、絵画、装飾芸術によって補完される建物）に基づいています。
芸術の演劇的統合：それは、セット、パントマイム、振り付けを使用して、音楽の監督が演出する作家によって作成された劇的な作品を実行するプロセスで実行されます
芸術の映画的合成：編集とポリフォニー（音楽のポリフォニー）の原理に基づいています。

構図

メイン特徴的な機能現実的なものからの装飾的な画像は、光と影を考慮せずにオブジェクトの色を与えることができ、実際の色を完全に拒否することさえ可能です。色の助けを借りて、芸術的なイメージを作成することが重要です。

毎回、作曲はアーティストに複雑な質問を投げかけます。その答えは正確で、独創的で、ユニークでなければなりません。
構図ではすべてが重要です-オブジェクトの質量、視覚的な「重さ」、平面上の配置、シルエットの表現力、ラインとスポットのリズミカルな交替、画像上の空間と視点の伝達方法、明暗法の分布、キャラクターの色と色彩、キャラクターの姿勢とジェスチャー、作品のフォーマットとサイズなど。

修正するには：

合成とは、以前はばらばらだったものや概念を全体またはセットに結合または結合するプロセス（通常は意図的な）です。この用語はギリシャ語に由来します。 σύνθεση-組み合わせ、一緒の配置（σύν-с、一緒およびθεση-位置、配置）。合成は、分析の対極として機能部分から全体を組み立てる方法です。機能部分に全体を解析する方法です。

有機化合物異なる種類単一の全体への芸術は芸術の統合を形成します。合成に関与する芸術間の関係は異なる場合があります。 1つの種が優勢で、残りはそれ自体に支配されます。

コンポジション（lat。Compositio-コンパイル、バインディング、追加、接続）。

合成とは何ですか？

芸術の統合は、異なる芸術または芸術の種類を芸術的な全体に有機的に組み合わせたものであり、人間の物質的および精神的環境を審美的に整理します。

なぜ合成が必要なのですか？

構成要素の単純な合計に還元できない定性的に新しい芸術的現象を作成する

合成の例を挙げてください。

合成の3つの主な形式は何ですか？

装飾的な画像と現実的な画像の際立った特徴は何ですか？

装飾的な画像と現実的な画像の主な特徴は、光と影を考慮せずにオブジェクトの色を与えることができることです。実際の色を完全に拒否することさえ可能です。

芸術的なイメージはどのくらいの頻度で作成されますか？

色を使用します。

主なものは何で強調できますか？

副次的な詳細の拒否は、主なものをより顕著にします。

コンポジションを作成するときに考慮すべき重要なことは何ですか？

オブジェクトの質量、視覚的な「重さ」、平面上の配置、シルエットの表現力、ラインとスポットのリズミカルな交替、空間と視点を画像に移す方法、明暗法の分布、絵の色と色、キャラクターの姿勢とジェスチャー、作品の形式とサイズはるかに。

美術の一種としての絵画

絵画は、絵画、絵画、最も完全で現実的な反射現実の作成で構成される美術の一種です。

塗料（オイル、テンペラ、水彩、ガッシュなど）で作られた芸術作品は、硬い表面に適用され、絵画と呼ばれます。絵画の主な表現手段は色であり、さまざまな感情や連想を呼び起こす能力が画像の感情を高めます。アーティストは通常\u200b\u200b、ペイントに必要な色をパレットに描画し、ペイントを画像の平面上の色に変えて、色の順序を作成します-色。色の組み合わせの性質により、暖かくて寒く、陽気で悲しく、穏やかで強烈で、明暗になります。

絵画のイメージは非常に明確で説得力があります。絵画は、量と空間、平面上の自然を伝え、人間の感情とキャラクターの複雑な世界を明らかにし、普遍的な人間のアイデア、歴史的過去の出来事、神話のイメージ、空想の飛行を具体化します。

独立したタイプの美術としての絵画とは異なり、絵によるアプローチ（方法）は、描画、グラフィックス、さらには彫刻など、他の形式でも使用できます。絵画的アプローチの本質は、色の変化の微妙なグラデーションで、周囲の空間的な光と空気の環境とともにオブジェクトを描写することです。

世界中のさまざまなオブジェクトやイベント、アーティストによるそれらへの強い関心がXVII全体に出現しました-

XX世紀絵画のジャンル：肖像画、静物、風景、動物、家庭用（ジャンル絵画）、神話、歴史、戦闘のジャンル。絵画では、ジャンルまたはその要素の組み合わせを見つけることができます。たとえば、静物や風景はポートレート画像をうまく補完できます。

使用される技術的な方法と材料によって、絵画は次のタイプに分類できます：オイル、テンペラ、ワックス（エナメル）、エナメル、接着剤、生石膏（フレスコ）の水性塗料など。場合によっては、グラフィックと絵画を分離するのが困難です。水彩絵の具、ガッシュ、パステルで作られたアートワークは、絵画やグラフィックに関連する可能性があります。

塗装は、すぐに実行される単層、および下塗りやgl薬を含む多層、乾燥した塗料層に適用される塗料の透明および半透明の層にすることができます。これにより、微妙なニュアンスと色合いが実現します。

絵画における芸術的表現の重要な手段は、色（色）、ブラシストロークの汚れと文字、カラフルな表面の処理（テクスチャ）に加えて、照明に応じて微妙な色調の変化を示すバレラ、近くにある色の相互作用から生じる反射です。

絵画のボリュームと空間の構築は、線形および空中の遠近法、暖色と寒色の空間特性、フォームの白黒モデリング、およびキャンバスの一般的な色調の転送に関連付けられています。色に加えて画像を作成するには、適切な描画と表現力豊かな構成。アーティストは、原則として、スケッチで最も成功したソリューションを検索することにより、キャンバスで作業を開始します。次に、自然からの数多くの絵のような研究で、彼は構成の必要な要素を研究します。絵画の制作は、ブラシを使用した構図の描画の実行、下塗り、および1つまたは別の絵入りの手段によるキャンバスの直接描画から開始できます。さらに、特に筆が有名な画家のものである場合は、準備スケッチや研究でさえ独立した芸術的価値がある場合があります。絵画は、旧石器時代の洞窟壁画から20世紀の絵画の最新動向まで、何世紀にもわたって進化してきた非常に古い芸術です。絵画には、概念を現実主義から抽象主義に翻訳するための幅広い可能性があります。巨大な精神的な宝物は、その開発中に蓄積されます。古代では、人々が見ているように現実の世界を再現したいという欲求が生じました。これにより、明暗法の原理、遠近法の要素、3次元画像の外観が出現しました。絵画的手段によって現実を表示する新しいテーマの可能性が明らかになりました。絵画は、寺院、住居、墓、その他の建造物を飾るために使用され、建築や彫刻と芸術的に一致していました。

中世の絵画は主に宗教的な内容のものでした。彼女は、主に地元の色、輪郭の表現力豊かな表現で区別されました。

フレスコ画と絵画の背景は、原則として、神秘的なちらつきの神聖なアイデアを具現化した、条件付き、抽象的または金色でした。色の象徴性が重要な役割を果たしました。

宇宙の調和の感覚であるルネサンスでは、人間中心主義（宇宙の中心にいる人）が宗教的、神話的テーマの絵画、肖像画、日常的、歴史的シーンに反映されていました。線形および空中遠近法の科学的に健全なシステム、明暗法を開発した絵画の役割は増加しました。

XVII-XVIII世紀のヨーロッパ絵画の開発プロセス。複雑な国立学校が発展しており、それぞれ独自の伝統と特徴があります。絵画は、新しい社会的および市民的理想、心理的問題の深化、個人と世界の対立の感覚を宣言しました。多様性に訴える実生活、特に人の日常環境に、ジャンルのシステムの明確な形成をもたらしました：風景、静物、ポートレート、日常のジャンルなど。さまざまな絵画システムが形成されました。その特徴的な開放的でスパイラルな構図を持つダイナミックなバロック絵画。色、光の色調の絶妙なニュアンスを備えたロココ絵画。明確で厳密で明確なパターンの古典主義絵画。

XIX世紀。絵画は公共の生活で積極的な役割を果たしました。ロマン主義の絵画は、歴史と現代の劇的な出来事、光と影のコントラスト、色の豊かさへの積極的な関心によって特徴付けられました。

長年にわたってその発展に影響を与えた絵画の革命は、世界の変化する美しさを伝えようとする印象主義の出現であり、純粋な色の光学的混合の可能性と質感の伝達の影響を明らかにしました。アーティストは屋外で絵を描きに行きました。芸術作品

XIX-XX世紀の終わりに。絵画の開発は特に複雑で矛盾するものになります。さまざまな現実的で現代主義的な運動が存在する権利を獲得しています。

抽象絵画が登場します。これは、絵画性の拒絶と、世界に対する芸術家の個人的な態度の積極的な表現、色の感情性と慣習性、形の誇張と幾何学化、構成ソリューションの装飾性と関連性を示しています。

20世紀。新しい塗料と絵画を作成する技術的手段の探求は続けられ、それは間違いなく絵画の新しいスタイルの出現につながりますが、油絵は依然として芸術家の最もお気に入りのテクニックの1つです。

ニュアンスについて比較プロパティでフォームの比率がわずかに異なるため、それらの類似性は差異よりも顕著です。ニュアンスは、単調さ、構成の構築におけるリズムの硬直性との戦いで使用されます。

静力学安静状態、バランス、安定性。フォーマットでは、コンポジションに水平または垂直のフォームを導入するか、または両方を同時に導入することで、その側面がフォーマットの側面と平行になるようにします。静は、正方形または円形の形式、つまり中央のフォームの位置によって増幅できます。

ダイナミクス 運動の状態。書式では、書式を書式の側面に対して角度を付けて配置し、細長い書式で補強し、書式を中心からさらに離して配置することで実現します。

リズム- フォームの多様な要素を統一する最も重要な手段の1つは、その場所を合理化することです。線、スポット、トーン、色、質量、テクスチャ、形状、方向の論理的な交替.... 形式で。リズムの最も重要な兆候は、フォーム要素の繰り返しとそれらの間の間隔です。リズムの繰り返しは均一で、減少または増加します。したがって、繰り返しには静的と動的の2つのタイプがあります。

支配的 -支配的な、それ自体への注意を引き起こし、それ自体に従属する。支配的なものは、支配的な色、形状、色調、質量、サイズです。

モジュール -要素。美術作品の構成では、モジュールを使用して、モジュール間の距離の圧縮と放電によって得られるテクスチャ、さまざまな明暗を作成します。モジュールは、サイズだけでなく、色調、色、質感もさまざまです。

対称性 -対称の中心、軸、または平面と呼ばれる、任意の点、軸、または平面に対する要素の同じ配置。対称の中心、軸、または平面を中心に図を回転させると、要素は互いに完全に置き換わります。対称性は、構図の統一的かつ芸術的な表現を実現する重要な手段の1つです。

非対称性 -軸または対称面がない要素の組み合わせと配置。そのような構成では、形の統一を達成するために、質量、テクスチャー、および色のすべての部分の視覚的なバランスが特に重要です。複雑な構成では、要素の対称グループを非対称グループと組み合わせることができます。

スケール -人、周囲の空間、および他のフォームに対するフォームとその要素の比例。スケール感は、特定の大きさの個々の現象に対する世界の本当の認識です。

割合 -フォームの2つの要素（パーツ）の次元関係。大きいフォームと詳細の比率、および大きいフォームと詳細の間の詳細の比率。

テクスチャとテクスチャは、芸術的な表現のアクティブな手段です。

請求書（図面素材）-フォームの表面の一般的な構造を特徴付けるプロパティ（粗い、滑らかな...）。材料の質感は、表面の微小な歪みの密度と大きさに依存します。制限の1つは、滑らかな表面です。テクスチャ要素は非常に小さいため、視覚的には異なりません。別の制限は、テクスチャの要素全体がフォームの独立した要素として認識され、その数が非常に少ないため、すべて明確に区別できる場合です。テクスチャはフォームの視覚的なイメージを作成し、触覚情報のソースの1つとして機能します。テクスチャの知覚は、表面上の視聴者の主張に依存します。テクスチャの特性に対する注意の欠如、1つの形式での異なる素材の組み合わせの失敗は、しばしば断片化、不調和につながります。テクスチャ（テクスチャ知覚）-表面で観察される、形状が作成される材料の構造の外部兆候。

様式化 -現実の現実的な伝達に対する従来の装飾的な形のイメージの普及、その認識の程度までの形の単純化、読みやすさ; フォームの特徴的な詳細のみを残し、それらをシャープにする、マイナーな詳細の拒否。

ラインとスポット -グラフ内の主要な表現手段であり、この美術形式の言語機能だけでなく、シート形式でムードを設定します：上昇（垂直および斜め-上）、下降（垂直および斜め-下）、不安（点線））、平和（水平線）、不安（点線）、神経質、神経質、こわばり、グロテスクな背骨（破線、角線）、滑らかさ（曲線、滑らかな線）除去（。細い線）、近似（太い線）... 汚れはしばしばシルエットに作用し、シートのシート面にodderzhivaet線は白とは対照的に動作し、整理します。

明暗法 -フォームの表面上の明るい領域と暗い領域の分布によって特徴付けられるプロパティ。明暗法の分布は、オブジェクトの形状、その表面のレリーフ、素材、照明によるものです。明暗法は、ボリュームとレリーフの視覚的認識を促進し、オブジェクトのボリュームまたは表面を一般化または切断することができます。オブジェクトの影を所有して投じることで、視覚面を整理します。オブジェクト自体の自身の影は、現実の幻想（3次元）を作成します。オブジェクトが別の表面に落とす影により、オブジェクトとの関係を確立できます。環境。光は不透明な物体のボリュームを強調し、表面を照らし、空間内の位置を決定します。前方のフォームに光が当たると、フォームはそのままでそのバルクを失います。光源が背後にある場合-光に対して、この場合は光ではありませんが、影はボリュームの存在を隠し、形状はシルエットとして認識されます。光源がオブジェクトの側面にある場合、スライド照明は被写体に大きなボリュームを与え、エッジと突起を強調します。

落ちてくる影の形状は、主にオブジェクトの構成によって決まります。厳密に幾何学的な形状のオブジェクトは、直線的な遠近法の法則に従う厳格な幾何学的な影を形成します。未定義のボディはぼやけた影を落とします。時々、形をした影は、それらを投影するオブジェクト自体よりも面白くて面白いです。これは、光源の光線の入射角と、光源と形状の間の距離（人工照明の場合）に依存します。

明暗法美術、その最も多様な理解の中で、アーティストが平面上に体積の形を描くのを助けますが、彼が作成する画像の心理的特徴を強化してシャープにします。

色 -身体が反射または放射する光のスペクトル構成に従って特定の視覚的感覚を引き起こす身体の特性。色はアクティブな構成ツールです。主な色の特徴：

・色調-さまざまな色合い

彩度-色の明るさの度合い

明度-カラー表面の反射率

・無彩色-白、グレー、黒

・色の色-スペクトルの色：赤、オレンジ、黄色、緑、シアン、青、紫 （すべてのハンターはキジが座っている場所を知りたい）

・暖色域-黄色、オレンジ、赤、およびそれらの中間状態

・寒色域-緑、青、紫およびそれらの中間状態

フォーマット平面での構成の開発 中心から、中心、斜め、垂直、水平、らせん状にすることができます-それは、作品に設定されたタスク、動的構成、または静的に依存します。

コンポジションの作業の段階と方法

1. テーマ。 この問題に関する資料の研究、このトピックに関するマスターの仕事の分析、個人的な協会。

2. テーマ開示アイデア -構成は動的または静的であり、表現力のある手段によって決定され、表現力のある手段がメインになり、補助的なものが作品の実行に使用されます。

3. 最初の段階（予測） -彼の仕事：フォーマットを決定し、描かれたフォームと環境のシルエットの比率を見つけ、描かれたフォームを地平線に対して見る。

4. 第二段階（スケッチ） -選択されたフォアスキーで、比較と分析の方法を使用して、描かれたフォームと環境のシルエットでフォーム、テクスチャ、スポット、ラインのリズムを見つけます。構図がカラーの場合、色彩の解決策を見つけて、暖色と寒色を見る必要があります。体積空間構成では、明暗法が考慮されます-それ自身または落下する影。芸術的な視覚イメージを作成するために使用される表現手段を選択します。

5. 3番目の段階は、資料の収集です。 これには、スケッチ、スケッチ、短期図面、スケッチ、写真、民族誌スケッチが含まれます。

6. 第4ステージ（段ボール） -詳細の開発と描画を伴うフルサイズのスケッチの実行。

7. 第5段階-仕事をする （組成）素材。

8. 6番目の段階は、作業の実行です。 フレーム、パスポート、ガラスの選択...

上記の構成の作業計画から、各段階には特定のタスクがあり、後続の各段階は前の段階から続くことが明らかです。各ステップをより詳細に検討してください。それらの違いはタスクだけでなく、フォーマットのサイズにもあります。これは、やがてこれらの問題を解決するのに役立ち、ミニチュアの作成に進むことができなくなります。

フォレスキス （for-英語では、接頭辞「for」スケッチ）は、描かれたフォームの全体的な関係を確認するために小さな形式で実行され、単純（ポートレート-頭、図...）または複雑（風景-家、木、車、人、動物...、静物-いくつかの形で）と環境。私たちは描かれた形をダークスポットとして取ります、なぜなら線形シルエットは、開発時に視覚的な比率を変更します。これは、環境が明るいはずであるということではなく、描かれた形は暗い点です。描かれた形と環境のスポットのシルエットの色調の選択は、構図を解決するアイデアに依存します。

描写されたフォームをさまざまな形式で検討します。教育プロセスでは、正方形、長方形、水平および垂直、創造的な作品では、菱形と楕円形の水平または垂直、多面体、円、楕円形、および内部または外部の建築形態（柱、アーチ...）得られた構成のバリエーションから、計画に沿ったものを選択します。ここでは、比較と選択の方法を適用します。ここで、「音叉」は、描かれている形式と形式の調和です。

フォレスキーで作業するためのテクニックもあります-これは、フォーマットが表示されたフォームに調整されるときです。このような手法は、野外（自然からの作業）で適用できます。選択したオブジェクトを描画し、フォーマットの端を上下左右に移動します。同時に、私たちはこのトピックの合成ソリューションの他の可能なバリエーションとの比較を奪い、合成の1つのバージョンのみを取得します。

地平線に対して描かれた形を考慮して、第一段階についての会話を終えたいと思います。上から見た場合、通常、下から見た場合、まったく同じ形が異なって知覚されます。同時に、コンポジションで作成するグラフィックイメージを強化できます。

スケッチそれは、マッチボックス以下のフォーマットで実行され、2、3倍先見性があります。形式の小さなサイズは、完全な認識とタスクの明確な完了のために、構成のこの段階で使用されます。描かれたフォームのスポットのプロポーションのセリフでフォアスキーを増やしたところ、描かれたフォームを構成するフォームのリズムとテクスチャーのリズム、つまり、スポットとスポットの交互の変化を見つけました。構図が3次元の場合、明暗法の問題を解決します。これには、独自の影や落下する影が含まれます。芸術的な表現手段-色を使用して、色の解決策を見つけます。

最初の2つの段階は、構成の「基礎」だけでなく、その後の作業でもあります。段ボールおよび材料の作業では、部品開発の「音叉」として機能します。作業を取り止めて、スケッチとして認識されるまで移動する場合、詳細の開発を続けることができます。そして、画像が「押しつぶされる」、「崩れる」場合：詳細を一般化する必要があることを意味します-フォームの特徴ではない詳細を放棄します。

素材コレクション- この段階は、段ボールで作業を開始し、素材で作曲を実行する前に必要です。形式を実際の作品のサイズに拡大することにより、最初の2つの段階で見つかった、描かれたフォームと環境のシルエットのシルエットのサイズが増加します。小さなフォーマットで調和して見えたものは、単調で、空っぽで、対照的すぎて、単調になりました。構図の調和の状態を復元し、作成されたイメージを強化するには、描かれたフォームの特徴的な詳細を維持する必要があります。まあ、覚えていれば、これらの詳細を自分自身から引き出すことができます。しかし、実際にはそうではないことがよくあります。したがって、私たちは自然に目を向け、構図に必要な図面の精緻化の程度まで研究します。

段ボール または、前のステップで収集した素材から構成の詳細を描くには、作品のフルサイズのスケッチが必要です。スケッチ（10分以内に完了する図面、タスクはフォームの主人公をキャプチャすることです）、スケッチ（30〜40分で完了する図面、そのタスクは描かれた形状の比率、特徴の詳細を修正する）、短期図面（作成された図面） 1-2時間で、描かれたフォームの特徴的な詳細の研究）、異なる材料、異なるスケール、別の時間と気分。そして、それらを変更せずに作品に引き込むことは、作曲で描かれたフォームの折forms主義（非互換性）につながります。上記のように、スケッチに焦点を合わせて、収集した資料を1つの分母に持ってくるのはこの段階です。ここで覚えておくべき主なことは、構図のすべての詳細は単なる装飾的な場所ではなく、装飾であるだけでなく、表現力豊かな芸術的手段（色、線、スポット、シルエット、明暗法など）で私たちが作成した芸術的イメージの強化であるということです

作品のフルサイズのスケッチの詳細。スケッチ、スケッチ、短期図面、スケッチ、この作品のために収集された写真の単一のスタイルにつながります。

素材での作業の実行 -この段階では、作曲の作業は停止しません。素材は、描かれたフォームと環境のスタイルを決定します。独自の機能、作業前に知っておくことが望ましいプロパティがあります。材料のこの知識は、実践によって得られます。そのため、場合によっては、構成をわずかにやり直す必要があります。創造的なプロセスは、ここでの最後の段階である作品のデザインを含む、作品の終わりまで続きます。私の先生として、素晴らしい作曲家で画家のプロホロフ・エラスト・イワノビッチは、かつて私にこう言った。彼が将軍であることを誰が知っていますか？そこはすべて同じです。そして、彼が彼のストライプ、肩章、注文をするとき.... はい！」

シリーズ「Natanych’s World」、「Islands」、バットウッドカット、ツゲ、13 x 13.5、2006。Sorokin A.V.

絵を描くとき、\u200b\u200b作品をデザインするとき、フレームを選択するとき、バゲットの幅、装飾（成形）、色、そしてスケジュールを確認します。パスポートとグラスを手に取る必要があります。作品を登録する主なタスクは、作品を環境と区別することです。

留め具と実用化組成の基礎について得られた理論的知識は、「静物」などの美術分野で提案されています。同時に、静物画は教育の場としてではなく、芸術的なイメージを明らかにする独立した芸術作品として見られます。一連の演習に進む前に、作品をこのトピックに向けるアーティストの作品を分析する必要があります。それは絵画やグラフィック作品です。作品を分析するときは、フォーマットプレーンの構成、明暗の比率、フォームのリズム、質量、テクスチャ、コンポジションのすべての要素、およびコンポジションの開発スキームに支配的で従属するものを見つける必要があります。このような作品の分析は、このトピックに関する構成スキームのベストプラクティスの蓄積、味の発達を与えます。

各演習では、異なる形式、素材、ツール、テクニック、メインの独立した機能表現手段、およびそれらの調和した相互接続。

この演習では、視覚的にどのように知覚されるかを考えます。明るいシルエットと暗いシルエット、明るいシルエットと暗いシルエットの組み合わせ、暗いシルエットと明るいシルエットの組み合わせです。暗いシルエットと光をつなぐとき

· 明暗法演習 タスク：フォレスキズとスケッチを実行し、独自の影と落下する影のために絵画面のフォーマットを整理します。シンプルに近いオブジェクトで構成される静物かもしれません幾何学的形状形とサイズが異なります。この演習は、「白黒のトランジションをテーマにした幾何学的な研究」として実行できます-コントラストの照明の下で得られる図がグレーから黒までさまざまなトーンの陰影を与えるように曲げられてカットされた白い段ボールの密なシート（ 1/8シート形式、異なる柔らかさのシンプルな鉛筆; 静物画の中-白と黒のテンペラまたはガッシュ、平らで丸いブラシ）

· 色彩演習 タスク：foreshkiとスケッチを実行します。1つのスケッチで、限られたパレットで2つの作業を行います。最初のケースでは暖色系のパレットになり、2番目のケースでは寒色系のパレットになります。ここでは、最も重要なこととして、同じ構図が異なって認識される方法を確認する必要があります。この表現力豊かなツールは、構図の想像力に富んだソリューションを強化し、シャープにすることができます。（ 1/8シート形式、テンペラ、ブラシ（フラットおよびラウンド）

· 作曲への叙情詩でいくつかの表現手段を一緒に組み合わせる練習。 タスク：構図の作業の最初の段階でタスクを完了した後、スケッチで、私たちは質問とともに：フォーム、テクスチャ、色、明暗法のリズムは、表現力豊かな芸術的意味が私たちの仕事で作成されることを犠牲にして決定しなければなりません。より正確には、どの芸術的表現手段が主要なメインであり、それがそれを補完します。大規模なオーケストラのようなもので、各楽器が独自の役割を担っています-パートであると同時に、全体である-作品のオーケストラが演奏するハーモニーです。しかし、各作品にはリードがあります-メイン楽器（バイオリンとオーケストラ、チェロとオーケストラのために...）。彼は他の楽器を支配し、支配し、音楽の構成全体に沿ってそれらを導きます。したがって、表現方法の1つを選択します。たとえば、それはシルエットになり、コンポジションに導入される他のすべての表現手段はそれに従属します。そうでなければ、彼らは互いに議論し、芸術的イメージ全体の創造と知覚を妨害します。

2番目の例では、色に主な役割を与えます。

すでに作曲の主な仕事は芸術的なイメージの作成だと言っています。私たちの周りにある多面的な世界の連想的な認識は彼であり、私たちもその一部です。過去の演習で、表現の芸術的手段である構図の言語の概念を修正した場合、次の演習は、作成された画像の基礎となるフォームのさまざまな連想画像の構成になります。たとえば、私たちによく知られているティーポットの形を考えてみましょう-茶葉が満たされ、沸騰した水、注ぎ口とハンドルが注がれる小さなタンク。これらすべての特徴的な形を保ちながら、無関心で、面白く、ばかげた、悲しいアルニカのマネージャーを考えます。演習では、木、皿、家具、建物、動物、人など、興味深いシルエットの絵を描くことができます。

味覚を教育し、さまざまなジャンルや形式の構成ソリューションの個人的な武器を作成するのに役立ちます。

インテリアとプラスチックの形で運動します。 目的：建設的で堅固なインテリアの形とプラスチックの形（人間、動物、色など）の関係を見つけること。壁、天井、床で囲まれた閉じた空間がはっきりと見えるインテリアのオプションを模式的にスケッチします。しかし、結局のところ、インテリアのコンセプト-生活、仕事、レジャー、創造性の環境は、洞窟のような壁、床、天井だけに限定されません（当然のことながら、これは最初の人間の住居の1つです）。これには、「突破」するドアと窓が含まれます »内部の閉じた環境は、外部の世界と接続します。
家具を建設的なシルエットで堅固なシルエットとしてインテリアの線形スキームに挿入すると、すぐに建設的なシルエットを中断した組成物の単調さを取り除く人、動物、植物のプラスチックフォームを導入する必要があります。彼らは描かれた形のシルエットの特定のリズムを設定します：ハード-ソフト、角度-スムーズ。構図の内部が「主人公」、その後、人のプラスチックの形は、このインテリアを考慮する相対的なスケールになります。この場合、スケールはインテリアのイメージを向上させます。これに比べて、インテリアは巨大または小さなものとして認識され、この認識はインテリアとその機器のコンポーネント、つまり家具にまで及びます。

これらの細かいフォームの小さなサイズは、北または山の住居、浴場に関連付けられています。浴場では、低い天井、小さなエリア、小さな窓、ドアが部屋の急速な加熱と熱の保存に貢献します。内部の広い領域、高い天井、大きな窓、ドア、鏡は、逆に宮殿、城のイメージを作成します...

視覚芸術における作曲についての会話の中で、作曲が作曲の主なタスクである「芸術的なイメージ」について繰り返し語ってきました。「芸術的なイメージ」を正確に意味するものを決定しましょう。「ロシア語の辞書」の定義からS.I. オジェゴバは、現実の一般化された芸術的反映であり、具体的な個別の現象の形で着られています。言い換えれば、これは、人類によって何世紀にもわたって発展してきた複雑または単純な、自然または人工的な形の現象の連想的知覚です。したがって、「画像」は写真にはできません-によってのみ認識可能外向きの兆候。フォームを様式化し、特徴的な詳細をシャープにすることで構築され、さまざまな要素-モジュールのように、いくつかのフォームの特徴的な部分から組み立てることができ、祖先に似た新しいフォームが作成されます。画像は、描かれた形の感情的な認識です。これは、表示されたフォームからすぐに読み取って覚えているものです。芸術作品は感情から始まり、感情で終わると言うのも不思議ではありません。

作品の形式、表現力豊かな芸術的手段、画面内の暗闇と光の展開、描かれた形と環境の調和のとれた関係は、芸術的なイメージを作成するために働きます：「愛」、「母性」、「子供時代」。描写された形式の細部の開発でさえ、構図の主要なもの、つまりイメージに従います。私たちが覚えている過去と現在の世界文化の芸術作品を分析すると、これらは永遠に「イメージ」になりますエキサイティングな人々質問：愛、生と死、...